Ti West fullfører sin moderne horrortrilogi med MaXXXine, en visuelt slående og tematisk rik oppfølger som bygger videre på arven fra X og Pearl. Denne gangen transporteres vi til et vibrerende, men mørkt Los Angeles på midten av 80-tallet – en verden av videokassetter, neonlys, og drømmer som både glitrer og råtner.
En karakterdrevet reise i en kynisk verden
Mia Goth er igjen elektrisk i hovedrollen som Maxine Minx, den tidligere pornostjernen med en ukuelig ambisjon om å slå gjennom som skuespiller i Hollywood. Hennes transformasjon gjennom trilogien har vært bemerkelsesverdig – fra den naive filmarbeideren i X, til den overlevende som nekter å gi opp drømmen sin. Goth leverer en ytelse som balanserer mellom sårbarhet og stahet, og hun gir filmen sitt emosjonelle anker i en ellers forstyrrende setting.
Mia Goth i “MaXXXine.” Foto: Dons Lens/A24
Visuelt og tematisk briljant
Ti West er en mester i å skape stemning, og her er han på sitt beste. MaXXXine oser av 80-tallsestetikk, fra det glitrende neonlandskapet til de skitne bakgatene i Los Angeles. Men dette er ikke bare en overfladisk kjærlighetserklæring til en tidsepoke. West utforsker også de mørkere sidene av drømmenes by: hvordan drømmer utnyttes og hvordan enkeltmennesker ofte blir ofre for systemer uten samvittighet.
Skrekkens subtilitet
I motsetning til forgjengeren Pearl, som var mer psykologisk skrekk, og X, som lente seg tungt på klassisk slasher-territorium, kombinerer MaXXXine elementer fra begge. Skrekken er ofte mer subtil, bygget rundt Maxines usikkerhet og de urovekkende figurene hun møter på sin vei. Men når volden kommer, er den like grafisk og urovekkende som man kan forvente fra West.
Noen skår i gleden?
Selv om filmen er en triumf på mange måter, kan enkelte sekvenser føles noe langdryge. Det er tydelig at West ønsker å gi karakterene rom til å puste, men noen ganger stopper narrativet litt opp. Likevel er det et mindre problem i en ellers strålende helhet.
MaXXXine er en verdig avslutning på Ti Wests trilogi – en skrekkfilm som er både tankevekkende og urovekkende. Med Mia Goths fantastiske skuespill og Wests visuelle finesse, er dette en film som krever oppmerksomhet. Den utforsker ikke bare mørket i menneskets ambisjon, men også de strukturer som mater vår kultur av begjær og underholdning.
Den nyeste tilskuddet i “Planet of the Apes”-franchisen, “Kingdom of the Planet of the Apes”, leverer en episk fortelling som både hedrer sine forgjengere og introduserer nye elementer til sagaen. Filmen, regissert av Wes Ball, tar publikum med på en visuelt slående og følelsesmessig resonant reise.
Vår anmelder fikk anledning til å oppleve filmen i den største og mest spektakulære storsalen på Colosseum Kino.
Handling og plot
Plottet i “Kingdom of the Planet of the Apes” foregår flere år etter hendelsene i “War for the Planet of the Apes”.Apene, ledet av Cæsars etterkommere, har etablert et samfunn i skogene, men fredsperioden trues av menneskelige overlevende som er fast bestemt på å gjenerobre tapte territorier. Konflikten mellom menneskene og apene eskalerer, og filmen utforsker temaer som makt, overlevelse og sameksistens.
Owen Teague briljerer som Cornelius, en leder som balanserer plikt og moral. Freya Allan, kjent fra “The Witcher”, gir håp gjennom sin karakter, en menneskelig overlevende. Peter Macon og Eka Darville leverer kraftfulle prestasjoner som rådgivere og rivaler.
Skuespillerprestasjonene er solide over hele linja. Andy Serkis’ fravær som Cæsar merkes, men etterfølgeren, spilt av en digitalt animert og motion-captured skuespiller, gir en verdig oppfølgning. Karakteren er både kraftfull og sårbar, noe som gir publikum en protagonist de kan heie på.
På menneskesiden leverer hovedrolleinnehaverne sterke prestasjoner som gir dybde til deres kamp for overlevelse. Deres indre konflikter og motiver utforskes på en måte som gir dem sympati, til tross for deres antagonistiske rolle. Likevel kunne noen av birollene ha vært mer utviklede, da enkelte karakterer fremstår som endimensjonale og stereotypiske.
Visuelle effekter og kinematografi
Kinematografien av Greig Fraser er spektakulær, med frodige skogscener og dystopiske landskap som gir filmen en sterk visuell identitet. Kamerabevegelsene er dynamiske og innrammer handlingen på en måte som holder publikum engasjert gjennom hele filmen. Noen ganger kan de overdådige visuelle effektene virke overveldende, og noen scener kunne ha dratt nytte av mer tilbakeholdenhet for å la handlingen og karakterene skinne.
Musikk og lyd Michael Giacchinos musikk underbygger filmens tone og stemning på mesterlig vis. Soundtracket gir både spenning og følelsesdybde, og bidrar til å forsterke de dramatiske øyeblikkene. Lydeffektene, spesielt under kampsekvensene, er kraftige og immersive, noe som gir seeren en intens opplevelse. Til tider kan lydmiksen være litt ubalansert, hvor dialogen drukner i de bombastiske lydeffektene og musikken.
Fortsetter tradisjonen Kingdom of the Planet of the Apes” fortsetter tradisjonen med å utforske komplekse temaer gjennom sin science fiction-ramme. Filmen tar opp spørsmål om makt, etikk og hva det vil si å være menneske. Den viser hvordan frykt og misforståelser kan føre til konflikt, og hvordan håp og forsoning kan bygge broer. Noen av temaene kan føles noe overforklart, og filmen kunne ha tjent på mer subtilitet i sin symbolikk.
Kingdom of the Planet of the Apes” er en verdig oppfølger som utvider universet på meningsfulle måter.
Den kombinerer imponerende visuelle effekter med sterke karakterutviklinger og en dyp, tankevekkende historie. Til tross for noen forutsigbare plotelementer og mindre karakterutviklingsproblemer, gir filmen en tilfredsstillende og engasjerende opplevelse som vil tilfredsstille både gamle fans og nye seere.
Du kan kjøpe billetter til Kingdom of the Planet of the Apes her:
Hvis du vil få en forsmak på hva “Kingdom of the Planet of the Apes” har å tilby, kan du se den spennende traileren her:
For å yte rettferdighet til å anmelde denne filmen grunnet dens lange spilletid , er det noen mindre spoilere av hendelser som er avbildet i de tidlige stadiene av filmen i denne anmeldelsen.
yûsuke Hamaguchi’s Drive My Car er et gjennomtenkt og gåtefull karakterdrama, basert på en novelle av den berømte forfatteren Haruki Murakami.
Yûsuke (Hidetoshi Nishijima) er en suksessfull teaterregissør, gift med TV-sjef Oto (Reika Kirishima). De deler et komplekst, kreativt forhold. En ettermiddag kommer Yûsuke uventet hjem og oppdager at Oto har en affære med en ung skuespiller, Kōji (Masaki Okada), men han sier ikke et ord.
Yûsuke elsker å kjøre bilen sin, en rød Saab, og kjøre linjer på vei til jobb, og spille mot scener som Oto har spilt inn for ham på kassett. Det er under en av disse øvelsene Yûsuke er involvert i en liten ulykke. Selv om han er uskadd, får Yûsuke på sykehuset vite at han har glaukom og vil miste synet på det ene øyet. Ikke lenge etterpå forstyrrer en tragisk hendelse livet deres for alltid.
Fra filmen “Drive My Car”
To år senere aksepterer Yûsuke et opphold på et teater i Hiroshima for å sette opp en produksjon av onkel Vanya. Teateret tildeler ham en sjåfør, Misaki (Tōko Miura), og selv om han først er motvillig, er han enig. De to finner raskt ut at et bånd er knyttet.
Yûsukes skuespill er høyt ansett og kjent for å være flerspråklige produksjoner. Den ukonvensjonelle tilnærmingen ser at skuespillere snakker forskjellige språk – japansk, mandarin, koreansk, engelsk og koreansk tegnspråk – mens en skjerm projiserer undertekster over dem. Selv om det er forventet å opptre selv, kaster Yûsuke uventet Kōji i tittelrollen.
På nesten tre timer er filmen Drive My Car i svært sakte tempo, men likevel gripende drama, mer opptatt av hvem disse menneskene er enn hendelsene som skjer med dem. Den ligner på en eller annen måte Chang-dong Lees Burning (Beoning), ved at den ekstrapolerer en Murakami-novelle til maratonlengde, og gir fokus til karakteren slik at forhold føles ekte og aldri konstruert.
Drive My Car har ikke hastverk med å få fram poenget sitt – tittelsekvensen begynner for eksempel ikke før 40 minutter inn i filmen – men det er fengslende å se Yûsuke og Misaki sakte bli venner og finne ting til felles – selv om de er en del av den forbindelse, er tap og en delt følelse av anger en del av det også. Vi kan bli fristet til å tenke på forholdet deres som på en eller annen måte faderlig. Filmen er ikke subtil når den påpeker at Misaki er på samme alder som Yûsukes datter ville ha vært hvis hun hadde overlevd lungebetennelse. Men Yûsuke oppfører seg egentlig ikke på en foreldrelig måte. Deres dynamikk er en av voksende respekt og vennskap, der hver lærer av den andre, men ikke som en familiær erstatning.
Selv om det ikke er nødvendig å være kjent med Anton Tsjekhovs onkel Vanya for å nyte Drive My Car, kan de som er kjent med det russiske skuespillet være i stand til å trekke rikere sammenligninger og gjenkjenne vanlige temaer. Likevel gir Yûsukes flerspråklige teateroppsetninger fascinerende visninger. Hans eneste retning, tidlig, er at skuespillerne hans skal lese teksten, og sette seg inn i den i en så intens grad at de er i stand til å samhandle på scenen uten å kunne den andres språk. Det blør inn i Yûsukes virkelige liv også, da han og Miaski blir invitert på middag hjemme hos assistenten hans. Selv om det er oversatt, speiler middagssamtalene øvingsdynamikken, med tre ulike språk rundt bordet.
Drive My Car er et av de spennende dramaene som tar en langsom, og til tider nesten vag retning. Dens sløvt fengslende historiefortellingen er vanskelig å formidle i verken denne anmeldelsen eller filmens trailer. Men til slutt innser du at denne langsomme tilnærmingen, sveiset sammen med utmerkede hovedprestasjoner fra Nishijima og Miura, er absolutt verdt og at Drive My Car har trollbundet deg hele tiden.
Det legendariske rockebandet Foo Fighters flytter inn i en villa i Enico i California som er fylt med en god dose rock-and-roll historie av den grusomme sorten for å finne inspirasjon og for å spille inn deres etterlengtede tiende album. I det de flytter inn i villaen begynner Dave Grohl å føle at det er noe som ikke helt stemmer, og må etterhvert kjempe mot overnaturlige krefter som truer både ferdigstillelsen av albumet, men det som verre er; livene til medlemmene i bandet.
Fredag 25. februar møter Foo Fighters sine demoner i STUDIO 666!!😈 I samarbeid med Odeon Kino kan du vinne 2 billetter, samt vinyl av albumet som ble spilt inn i det hjemsøkte studioet – Medicine at Midnight! Alt du trenger å gjøre er å legge igjen en kommentar med din favorittlåt av Foo Fighters🤘du finner konkurransen ved å trykke her
Se den nifse og spennende traileren til “STUDIO 666”:
Emma Stone gjenoppfinner Cruella de Vil for ny Disney-film
Walt Disney Studio delte bildet i dag som viser skuespilleren fullstendig forvandlet med en svart og hvit parykk for å spille den titulære skurken i live-action-oppfølgeren til 101 dalmatinere.
Emma Stone spiller Cruella De Vil i Disneys Cruella Rettigheter: Disney Studios
Filmen fokuserer på en ung versjon av “101-Dalmatinere” skurken, Cruella de Vil. “I” 1970-tallet London blir den unge motedesigneren Estella de Vil besatt av hundens skinn, spesielt dalmatinere, til hun til slutt blir en nådeløs og skremmende legende kjent som Cruella, “beskriver Disney filmen.
Sammen med Stone spiller blant annet Emma Thompson, som spiller baronessen, Joel Fry, Paul Walter Hauser, Mark Strong og Emily Beecham, i filmen. Craig Gillespie “I, Tonya”, regissør, regisserte “Cruella. Glenn Close, som spilte Cruella Disneys nyinnspilling av” One Hundred and One Dalmatians “i 1996, er produsent av filmen.
Prosjektet ble først kunngjort tilbake i 2013.
SE OGSÅ: Anmeldelse: ´Kunstneren og Tyven´ er årets mest rørende og fascinerande dokumentarfilm
I den iøynefallende nye dokumentarfilmen avsløres det uvanlige følelsesmessige båndet mellom en tsjekkisk maler og den norske mannen som stjal to av hennes verk.
“En kunstner som knytter et bånd til en kriminell narkoman som stjal maleriene hennes i Benjamin Rees nyeste dokumentarfilm.”
Barbora Kysilkova, en tsjekkisk maler, hadde nylig flyttet til Oslo da hun fikk en bekymringsfull telefonsamtale fra en gallerist. To menn hadde brutt seg inn i Galleri Nobel i dagslys, og stakk av med to verk. Begge var hennes. Hun var ikke så sint og forvirret. “Hvorfor skulle noen stjele kunsten min?” lurte hun på. Det var en del beskjedenhet – “Jeg er ikke en kjent kunstner som er verdt det å bryte inn, bryte en lov og stjele. Jeg er ikke Picasso, ”sa hun til pressen – og delvis praktisk. De to stjålne verkene, Chloe & Emma og Swan Song, var absorberende, fotorealistiske malerier som begge strakte seg utover 4x6ft. Tyvene klarte ikke bare å gå ut med lerretene rullet opp under armene, men rørte forsiktig over 200 stifter for å fjerne dem fra rammene intakte, en oppgave som ville ta en ekspert minst en time.
Karl-Bertil Nordland sa at han stjal maleriene ‘fordi de var vakre’. Foto: Neon
Kysilkova var like mye fiksert på mennene som nøye skjulte seg med to av hennes elskede verk som med gjenopprettingen av maleriene selv. Så da sikkerhetsopptak førte til arrestasjonen av tyvene, men ikke maleriene, tok hun saken i egne hender. Da hun var forberedt på å være vitne til rettssaken mot en tyv, en tungt tatovert mann med tidligere fengselshistorie ved navn Karl-Bertil Nordland, følte hun seg “veldig nysgjerrig som en person, men først og fremst som kunstner”, sa hun. “Jeg visste ikke hva, men jeg visste at noe måtte gjøres med det.” Hvis han hadde stjålet mobiltelefonen hennes eller klokken hennes, kunne hun gå videre. Men ikke hennes arbeid. “Jeg kan ikke bare la det passere,” tenkte hun.
Og så nærmet hun seg vitneboksen og spurte Nordland: “Kanskje vi kunne møtes en gang? Selvfølgelig, alt for det formål at jeg gjerne vil lage et portrett av deg. “
Det resulterende virvaret i et forhold – et eksperiment i medfølelse, empati, forhandlinger om sårbarhet og de motstridende, underbevisste motivasjonene til å observere og bli observert – danner Maleren og tyven, en bemerkelsesverdig dokumentar av den norske filmskaperen Benjamin Ree som spiller mer som en kronglete narrativ film enn virkelige portretter. Filmen, som fikk strålende kritikker etter premieren på Sundance tidligere i år, sporer først kunstnerens vilje til å forstå Nordland, som hevdet å være for beruset til å huske hva han gjorde med hennes malerier (hans medskyldige er for det meste redigert. ut av denne fortellingen). Men i deres første møte etter retten på en restaurant i Oslo, husker han hvorfor han stjal dem: “Fordi de var vakre.”
Kunsttyven Karl-Bertil Nordland posert foran sitt portrett malt av kunstneren Barbora Kysilkova
Svaret hans vant over Kysilkova, som ikke kan motstå draget av en risikabel estetisk opplevelse; hun begynner å male ham, mens Ree, en recessiv tilstedeværelse, filmer deres trivelige møter i løpet av tre år. Før han møtte det rare paret, hadde Ree blitt fascinert av kunsttyveri, en kriminell kriminalitet med et delikat preg. En sjanse for Google-søk falt sammen med Galleri Nobel-ranet, og han koblet seg til Kysilkova for det han trodde ville være en kortfilm.
Det endret seg da han fortsatte å være vitne til at Nordland og Kysilkova åpnet for hverandre, og spesielt øyeblikket da maleren overrasket og avslører et portrett for den intetanende tyven. “Da vi først begynte å filme og før jeg ble kjent med Karl-Bertil, var han en virkelig tatovert fyr som hadde tilbrakt mange år i fengsel. Og for folk som ikke kjenner ham, kan han fremstå som en farlig person, ”sa Ree.
En tatovering brettet over Nordlands bryst: “Snitchers are a Dying Breed.” Men den herdede personaen, en finslipt voldelig og jern barndom, og senere narkotika, smuldret ved synet av Kysilkovas empatiske gjengivelse av hans likhet. Et tidsforløp av følelser spiller over ansiktet hans mens han sakte, alt sammen på en gang, bryter ned i hulk, og de to omfavner, et bånd forseglet. Scenen er en standout; intensiteten av menneskets ønske om å føle seg sett treffer som den skarpe høyden av å stupe i klart, kaldt vann.
Kunstneren og tyven
I andre halvdel av filmen ser vi Kysilkovas fortsette forfølgelsen av hennes malerier uten Nordland, hans fortsatte åpning av hans følelser under en periode i fengsel – bøyer de begge sine separate sluttbuer av følelser sammen igjen, om enn med noe filmskapende håndflate (som nevnt, lite blir avslørt av den andre medskyldige), til en tilfredsstillende og faglig avslørt sluttbue. Men forholdet mellom maleren og tyven forenes eller reduseres ikke så lett – det er, som det mest følelsesmessig rå og jordet av vennskap, født av universell ønske om å bli forstått, men føles likevel enestående i sine detaljer.
Regissør Christopher Nolans “Tenet” har endelig ankommet kinoer rundt om i landet , og etter å ha sett filmen er en ting umiddelbart klart: Christopher Nolans høykonsept-actionbolt vil la deg rive av ansiktsmasken din etter luft, selv om du lurer på hva det hele egentlig handlet om.
På Kino: Tenet er en veldig forvirrende, veldig underholdende og en veldig metafysisk actionthriller der en hovedperson kalt ´Protagonisten´ kjemper mot kosmiske innfall fra fremtiden mens tiden flyter frem og tilbake på samme tid. Det er et 747-fly som krasjer inn i et lager og deretter raser ut av det, av grunner som ikke er umiddelbart åpenbare.
Det palindromiske fortellingskonseptet er innbegrepet av den kule, høyteknologiske, høyt konsept-tittelen (kanskje Nolan kort anså noe lignende resonans som Radar eller Noon). Med sine internasjonale lokasjoner og stunt-brikker sammen med all den tidsmessige rare, er det faktisk som en Bond-film kalt ´No Time To Die To Time No´.
‘En dødblomstring av gal usannsynlighet – men overladet med energi og fantasi’ … John David Washington som hovedpersonen. (SF Norge/ Warner Bros. Pictures)
Selvfølgelig er det vanvittig latterlig, og jeg har medfølelse med alle som mener at avskaffelse av årsak-virkningssekvens for å rote med “tid” effektivt avbryter fare og annullerer spenning og dessuten løper opp mot ulogikken i det som skjer når den endrede fortiden møter slutten av den uendrede endingen – hva denne filmen identifiserer som “bestefar paradoks”, men uten å løse problemet. Og til en viss grad er alle filmens eksplosjoner (og implosjoner) der for å avlede oppmerksomheten din fra denne grunnleggende uløseligheten
Pattinson spiller Neil, en dapper og litt louche britisk etterretningsoffiser i Mumbai som tar kontakt med hovedpersonen, spilt av en tøff unemoting John David Washington. ´The Protag´, som ingen kaller ham, blir beordret av et skyggefullt amerikansk regjeringsbyrå å takle en ny kald krigsituasjon: et angrep fra fremtiden fra styrker som er i stand til å reversere tiden.
Se traileren til Tenet
Washington får vist våpen som suger kuler fra veggen når du trekker i avtrekkeren, en innovasjon han hilser med en slags mildt misvisende overraskelse, som om han ser på en TV-nyhet om førerløse Ubers. Hvem kommer til å bruke denne skremmende teknologien, og hvordan skal den motvirkes? Dette fører vår ikke navngitte helt i kontakt med en megarik indisk entreprenør (elegant spilt av Dimple Kapadia) og en skummel russisk oligark (Kenneth Branagh) og hans tragisk klare og willowy kone Kat (Elizabeth Debicki).
Det er Debicki som har de mest gjenkjennelige menneskelige følelsene her, som roper, gråter og til og med smiler på en måte som ingen andre helt gjør, og hennes ytelse er veldig sterk, selv om min lille krangel med Tenet er at den tar noen ideer fra BBC. tilpasning av The Night Manager, og Debicki selv blir bedt om å spille i hovedsak den samme rollen.
Filmen er innspilt i en rekke land, blant annet i Norge på Tjuvholmen og taket av operahuset i Oslo. (SF Norge/ Warner Bros. Pictures)
Når det gjelder Washington og Pattinson, må de tappe ned sin naturlige varme, selv om det er hint om det som til og med kan kalles en bromance. Men det er ikke poenget: de er ikke koder nøyaktig, men de er agenter. Poenget er den fenomenale, drømmeaktige visningen, en visjon om verdens ende. Kanskje Nolan vil meditere over det store palindromet av dødelighet: fra støv er du og til støv skal du komme tilbake.
Kanskje er Tenet ikke endelig så utfordrende som hans andre tidsforstyrrende, og tidlige mesterverk, Memento fra 2000, men det er så mange fantastiske øyeblikk i filmen – symmetrisk tilbakevendende knyttneve-scener, revidert fra forskjellige synspunkter, der krigerne tilsynelatende styres av forskjellige tidsflyt: en fremover, en bakover. Det skal ikke være fornuftig. Det gir ikke mening.
Det den gjør er rett og slett å skape fantastisk kino.
En kvinnelig 007 vil sannsynligvis ikke skje når som helst snart.
I et intervju med Variety diskuterer Barbara Broccoli og hennes halvbror, Michael G. Wilson, produsentene som anser seg som “forvaringsmenn” for James Bond-karakteren, hvilken type person de leter etter for å overta hovedrollen .
Tankene deres kommer av nødvendighet, ettersom Daniel Craig har sagt at han vil gå bort fra franchisen når den femte og siste Bond-filmen, No Time to Die, har premiere i april.
“Dette kommer til å bli min siste Bond, tror jeg,” sa han i fjor vår. “Jeg tror jeg har gjort nok, folk kommer til å bli syke av synet av meg. Noen andre burde ta turen.”
James Bond produsent sier James Bond aldri kan være en jente.
“Jeg er i full fornektelse. Jeg har akseptert det Daniel har sagt, men jeg er fortsatt i fornektelse. Det er for traumatisk for meg,” sier Broccoli til Variety om Craigs utgang. “Han brakte kjøtt og blod til karakteren. Bond i romanen er en silhuett. Daniel har gitt ham dybde og et indre liv.”
“Vi lette etter en helt fra det 21. århundre, og det var det han leverte,” legger hun til. “Han blør; han gråter; han er veldig moderne.”
Likevel er Craigs avgang noe som skjer, og Broccoli har ett veldig spesifikt krav til rollebesetningen.
“Han kan være i hvilken som helst farge, men han så lenge det er en hann,” sier Broccoli om Bond. “Jeg tror vi burde skape nye karakterer for kvinner – sterke kvinnelige karakterer. Jeg er ikke spesielt interessert i å ta en mannlig karakter og få en kvinne til å spille det. Jeg synes kvinner er langt mer interessante enn det.”
I mellomtiden er det viktig å holde Bonds britiske røtter for Wilson, som bemerker: “Du tenker på ham som fra Storbritannia eller Commonwealt, men Storbritannia er et veldig mangfoldig sted.”
Bortsett fra samtaler om mangfoldig rollebesetning i neste Bond-iterasjon – Idris Elba har blitt flyttet som et potensielt 007 – vet produsentene at de må hjelpe til med å lede den til tider sexistiske spionen også inn i #MeToo-tiden.
“Bond har utviklet seg sammen med alle andre menn i verden,” erkjenner Broccoli. “Noen har nettopp kommet dit raskere enn andre.”
Når det gjelder plottpunkter som omgir No Time to Die, er søsknene tett leppete, og Broccoli tilbyr bare “Vi har kommet til en følelsesmessig tilfredsstillende konklusjon.”
